Mi propuesta para el fin de semana es
el último álbum de The Decemberists, un grupo joven pero veterano que vienen
desde Oregón con sus propuestas de lo que se ha venido en llamar Alt Country. "What a
terrible world, What a beautiful world" es su octavo disco de estudio y sigue al exitoso "The King is dead" de 2011. El álbum es
variado en sonidos que van desde el pop más actual (indie, qué poco me gusta el
adjetivo), hasta el country más evolucionado, pero siempre con una estética
elegante que define al grupo liderado por Colin Meloy como uno de las bandas
más interesantes del panorama musical actual. Me encanta "Lake Song" con su cadencia nostálgica y
su fondo de piano que remarca los rasgueos de las acústicas y realza la voz de
Colin. Till the
water’s all long gone" nos habla de las montañas, supongo que de Oregón, y del
amor perdido y nos puntea una guitarra con unos coros muy "All tired horses". Pero todo el
disco es para disfrutarlo y serenar los ánimos.
El disco que pudo ser y desgraciadamente no fue. Allá en el año 1973 cacé en una edición especial para el Círculo de Lectores un disco de T.Rex llamado 20th CENTURY, que supuso para mí una auténtica revelación. Era un sonido distinto a todo lo que había oído hasta entonces, algo que se conectaba conmigo, vibraba en mi cerebro, resonaba de un modo especial. Ese disco mágico realmente no existe. No hay ningún disco de T. Rex cuya cara A empiece con "20th Century boy" y la cara B con "Children of the revolution". ¡Ahí es nada!, pusieras el lado del disco que pusieras el comienzo era fulminante. La cara A la completaban "Jitterbug love", "Lady", "Telegram Sam", "Free Angel" y "Metal Guru". En la B se añadían al primer corte "Thunderwings", "Born to boogie", "Mad donna", "Sunken rags" y "Solid gold/easy action". Y sin embargo ahí está ese álbum imposible, acompañándome durante décadas, una colección tremenda de canciones de Marc Bolan en el momento álgido de su carrera.
Realmente,"Metal Guru" y "Telegram Sam" procedían de THE SLIDER (1972) y "Lady" y "Thunderwings", eran descartes de éste. El resto de los temas pertenecen a las sesiones de TANX, el álbum publicado ese mismo año 1973 por T. Rex, y en el que de todos ellos sólo se incluyeron "Mad donna" y "Born to boogie". "20th Century boy" fue el single, pero no apareció en el álbum. Los demás, inexplicablemente, fueron descartados. ¡"Children of the revolution" descartado! Había sido lanzado como single a finales de 1972 (TANX se publicó en enero de 1973). La cara B del single la componían "Jitterbug love" y "Sunken rags". Pensábamos que cosas así, dejar fuera temas increíbles, sólo era capaz de hacerlas Bob Dylan.
La consecuencia es que, a pesar de contar con interesantes canciones, TANX no alcanzó el éxito de sus predecesores, el ya citado THE SLIDER, y ELECTRIC WARRIOR (1971). Cabe pensar que si la selección de temas hubiera sido otra, en la que hubieran entrado todos o al menos buena parte de los gloriosos descartes, TANX habría sido un disco arrasador, el necesario final explosivo de esa trilogía creada en el espacio de un par de años por la mente volcánica de Bolan, el aterrizaje perfecto en la realidad desde las atmósferas cautivadoras de los danzantes cósmicos y los bailes de Marte. Al menos así es como lo veo. En cualquier caso, en 1994 se reeditó TANX con todas las ausencias de veinte años atrás.
(el curioso y exclusivo disco del Círculo de Lectores en 1973)
No nos engañemos, éste es el típico disco que te compras por la portada, incluso en los 70 cuando las buenas portadas y las muy buenas portadas eran algo frecuente. Ésta, firmada por Tony Wright, era de lujo, con las esquinas cortadas para crear ese espacio cúbico en el que flotan las estrellas y sus ectoplasmas con los trajes que vestían los hispanos.
Grabado en Jamaica, "Shoot out at the fantasy factory" es un punto de encuentro de muchas cosas. Para empezar, de un grupo eminentemente británico que se decanta sin disimulo por la música negra, y que en el caótico entrar y salir de músicos que le caracteriza se mezcla en este disco con una parte importante de The Muscle Shoals Sound Rythm Section. Así, David Hood (bajo), Roger Hawkins (batería), Barry Beckett (teclados) y Jimmy Johnson (clarinete) se unen a Steve Winwood (el chico para todo), Jim Capaldi (percusión y voces), y Chris Wood (saxo y flauta), miembros de la formación original, y al ganés Rebop Kwaku Baah (percusión), fichado un par de años antes para la causa.
¿Qué causa? Ésa es la otra. Traffic se había alejado del sonido folk / blues, del que todavía quedaba buen rastro en el disco anterior, de 1971, y se movía por el camino que se anunciaba precisamente en el tema que daba título a éste, "The low spark of high heeled boys". Qué tipo de música es ésa, no seré yo el que me meta en el lío de ponerle una etiqueta. La wiki lo califica como "progressive rock, jazz fussion", etiquetas que respectivamente podrían servir para King Crimson o Weather Report, gente que no hacía exactamente lo que podemos escuchar en este disco.
Fusión, sin duda. De muchas cosas. Del soul que tanto ha amado siempre Winwood, de blues, de un viejo sustrato folk, de esa senda jazzística que explorarán en su directo doble de ese mismo año, "On the road". Sea lo que sea, una fusión maravillosa, que no gustó a la crítica pero que se vendió muy bien, a lo mejor también por la portada. En cualquier caso, cinco temas a tener en cuenta, uno por uno y sin excepción, desde el más cañero y caliente que abre la secuencia, "Shoot out at the fantasy factory", pasando por el más largo de todos, el relajado "Roll right stones", el introspectivo "Evening blue", el instrumental "Magic Tragic", y el tema de cierre, ese definitivo "(Sometimes I feel so) Uninspired".
Hemos
leído los muchos comentarios sobre el último album de Dylan y la mayor parte de
ellos han sido loatorios para este Shadows in the night. Mi
opinión es que nos encontramos ante una pequeña gema dentro de la variada discografia del genio de Minnesota.
Mucho
se ha dicho sobre un supuesto homenaje a Frank Sinatra. De hecho, ayer en una
tienda de mi ciudad, un lugareño preguntó a la dependienta por el disco de
Dylan sobre Sinatra. Confieso
que he reescuchado “Where are you?", el disco de Sinatra en el que se contienen
cuatro títulos que canta Dylan (I’m fool to want you, The night we called it a
day, Autum leaves y Where are you) Este álbum de Sinatra fue el primero grabado
para Capito Records y el primero grabado en Stereo. Supuso la ruptura con Nelson
Reedle y la llegada de un director de orquesta más sobrio y comedido, Gordon
Jenkins.
Lo
primero que hay que decir, por obvio no menos cierto, es que nadie puede
compararse con la voz de Sinatra. No ha
habido otra voz igual. Ahora
bien, en lo que no estoy tan de acuerdo, es que Dylan haya pretendido
homenajear a Sinatra, ni siquiera revisitar o reconstruir, o, incluso,
deconstruir su repertorio. Es
más, puedo sostener que este álbum, si queremos buscar paralelismos, habría que
aproximarlo más a Billy Holliday. He
escuchado la versión que hace de I`m fool to want you en Lady in Satin, la obra
maestra de la Holliday, y ese aire de desesperación y de nostalgia se aprecia
más en la forma de cantar de ésta con Dylan, que de éste con Sinatra.
Con
independencia de las concomitancias que se quieran buscar, encontrar o
presumir, este álbum de Dylan es inconmesurablemente bello. ¿Qué
ha sido de la voz aguardentosa y rasgada de Dylan? Canta como un ángel, quizás
del infierno, pero ángel al fin y al cabo.
Es
un disco para escucharlo. En silencio. Con atención al fraseo y dicción. Las
palabras salen con delicadeza. Que cursi parece quedar pero es la sensación que
tienes cuando escuchas, piensas y disfrutas de cada canción.
A
veces pienso de si podría haber sido la banda sonora de One from the Heart de
Coppola, que tan maravillosamente cantó Tom Waits. Es
la nostalgia, es el dolor. Es en definitiva el amor por la pérdida de ese
tiempo que se consume y que nos agota la existencia inexorablemente.
Oyendo
este disco de versiones, podemos afirmar que aquel Blue Moon de Self Portrait,
fue otra maravilla que no supimos entender en su momento. Años después, Bob Dylan
nos da la clave, y no es otra que la de amar como tuyo lo hecho por otros, y
este amor es lo que le otorga el carácter de obra maestra. Sí, y puede que
parezca exagerado pero solo pido que escuchéis Shadows in the night en silencio
y que la voz de Dylan os lo explique.
Marcia Ball, pese a tener una carrera de cuatro décadas, no es todo lo conocida que merece. Quizá porque no sale mucho (o no sale nada) de América, porque lo que le encanta es dar conciertos desde Austin, Texas a Nueva Orleans, Louisiana. Allí se siente a gusto esta veterana de los sonidos del Sur, que une en su música el blues y el boogie y el rock de los pantanos. Pero, por ejemplo, Clint Eastwood no la olvidó en su documental "Piano blues". Marcia Ball se sirve del piano casi sin darle importancia, como un instrumento sobre el que apoyar su voz, y con su voz no pretende nada especial sino cantar canciones que le gustan, a veces compuestas por ella y a veces no. Pero esta pianista de fuste también nos ofrece momentos como "I'll never be free" en que nos regala los oídos con el teclado, más aún si ese juego lo juega con ella el Dr. John, invitado a un disco en el que podemos disfrutar de esta dama de Texas en su genuina salsa de barbacoa.
